Diccionario de cine: Cult movie

En los tiempos que corren, en los que los elogios a lo mediocre se suceden con casi cada nuevo estreno en televisión o en la gran pantalla, muchísimas veces, se desvirtúan las palabras. Así, cada poco, nos encontramos con una nueva película o serie de culto. Pero, ¿qué es, en realidad, una película de culto.

Cuando hablamos de cine de culto, nos referimos a una película que, en el momento de su estreno, pasa con una escasa repercusión (por los motivos que sean). Con el paso del tiempo, poco a poco, esa obra comienza a recibir atención y a ser reivindicada, en muchos casos, como adelantada a su tiempo.
El ejemplo más característico de lo que es un film de culto sería, creo que hay pocas dudas al respecto, The Rocky Horror Picture Show.

En su imprescindible libro Midnight movies, Jonathan Rosenbaum y J. Hoberman, seleccionan una serie de películas y analizan su influencia en la subcultura (y en el imaginario colectivo de algunos) que se han convertido en auténticos clásicos de culto: Eraserhead (Cabeza borradora) de David Lynch, Pink Flamingos de John Waters o, la ya mencionada, The Rocky Horror Picture Show, dirigida por Jim Sharman sobre un musical de Richard O'Brien, serían ejemplos bastante representativos de películas de culto por numerosos (y diferentes) razones.

No debemos confundir, en mi opinión, cine independiente con cine de culto. Una cosa no tiene por qué estar relacionada con la otra. Pueden surgir películas de culto dentro del cine convencional (o mainstream) y, desde luego que no todas las películas independientes son de culto.

Últimamente, y creo que es por el fenómeno de la nostalgia que nos invade a las personas cuando alcanzamos una cierta edad y rememoramos nuestros años de infantes y adolescentes, en los que nos convertimos en lo que somos ahora, es cuando nos ponemos a recordar ese material de cultura popular que nos impactó en su momento. Esas películas italianas de serie B que pasaban por televisión cuando menos te lo esperabas, esos especiales de cine de Terror de Roger Corman, las películas de la Hammer reinventando los monstruos clásicos a todo color...

Esos recuerdos alimentan una nostalgia que, en mi opinión, creo que, a veces, se confunde con el culto. El cine de culto, por motivos evidentes, no puede ser muy abundante. Y menos aún, en los tiempos actuales, donde (casi) todo está disponible al alcance de un click. Lo verdaderamente oscuro, cada vez lo es menos. Así que no confundir.

Soledad Miranda

Nacida como Soledad Rendón, conocida por su nombre artístico de Soledad Miranda y, finalmente, transformada en Susan Korda por Jesús Franco en sus últimas películas.

Hoy hablamos de una artista sevillana (cantante y actriz) muy recordada más allá de nuestras fronteras, Soledad Miranda. Afortunadamente, gracias al documental que lleva por título "Soledad Miranda, una flor en el desierto", el recuerdo de Soledad se hace más cercano entre nuestros paisanos. Lo que sí fue curioso, es que la prensa del corazón de la época, se hiciera eco de la muerte de la sevillana en agosto de 1970 con tan solo 27 años de edad.

El hecho de programar en la televisión estatal una película como "Las vampiras (Vampyros Lesbos)", auténtico clásico de culto desde hace décadas, volvió a poner de relieve su figura, recordando su malograda vida.

Con solo 27 años se truncó una vida que apuntaba alto. 37 películas en su haber y un contrato internacional que no llegó a firmar por ese terrible accidente de coche. Una pena, pues el carisma y el magnetismo que transmitía hizo de Soledad un mito entre muchos aficionados, sobre todo, al cine fantástico.

Desde aquí, un recuerdo a una gran figura que brilló en un océano de mediocridad. Una auténtica flor en el desierto.

Ursula K. Le Guin y el mundo de Terramar

Esta mañana ha amanecido triste. La genial escritora Ursula K. Le Guin ya no está entre nosotros.
Me da rabia escribir ahora de ella, a causa de su fallecimiento, porque tenía pensado hablar sobre su obra, centrada en la fantasía y en la ciencia-ficción, desde hacía ya largo tiempo.

Mi primer encuentro con su obra fue en mis años de adolescente, cuando leía casi todo lo que podía. Sus Cuentos de Terramar, los 3 primeros libros editados en España por Minotauro, fueron mi vehículo de acercamiento a esa literatura, tan diferente de lo que hacían autores semejantes masculinos.

Un poco más tarde, me hice, en una librería de segunda mano en Valladolid, una antología estupenda, Mujeres y ciencia-ficción, donde pude conocer otra vertiente de su extensa obra. Fue entonces, cuando aprecié realmente, las aportaciones femeninas en un género plagado de autores masculinos. La feminidad, la identidad sexual, la maternidad aparecen reflejados de un modo que ningún hombre puede tratar.

Cuando apareció la saga de Harry Potter, de éxito fulgurante, aprecié ciertos paralelismos entre esta historia y el origen de Un mago de Terramar. Aunque, Ged, el protagonista de la serie, un aprendiz de mago en una escuela que se encuentra con su reverso tenebroso, tiene un cariz mucho más adulto, y la historia, tiene toques de psicoanálisis e introspección, siendo la sombra que persigue Ged, una especie de dopplegänger (el doble fantasmagórico de los vivos).

Desde aquí, un pequeño (y tardío) homenaje a esta autora, una auténtica erudita y luchadora por los derechos sociales y la igualdad de las mujeres, cuya obra está llena de joyas en forma de cuentos, novelas, obras infantiles, poesía, ensayos y traducciones del chino o del español al inglés. Recomiendo a todo el mundo, independientemente de su edad, que se deje atrapar por esta gran escritora. Un acercamiento podría ser a través de los audio-relatos que realizan los chicos del gran podcast Noviembre Nocturno (enlace a un relato de la autora).
Prueba de su gran valía como escritora de fantasía y ciencia-ficción, es su reconocimiento crítico con varios premios Hugo y Nebula (de hecho, es la única autora que ha ganado este último galardón en 3 ocasiones).

Una distopía cercana, El cuento de la criada (serie de TV)

Si alguien aún no ha visto esa maravilla que es la adaptación de la fascinante novela de Margaret Atwood, El cuento de la criada, no sé a qué espera.

Es fascinante. Te sumerge en un mundo demasiado cercano. Un podría ser más próximo que la típica distopía totalitaria tan abundante en los últimos años (por ejemplo, la saga de Los juegos del hambre).

En estos tiempos revueltos en los que vivimos, era necesario hacer algo así. De valiente y de bien hecho. Que no se limita a replicar lo reflejado en la novela, sino que lo lleva más allá, le da una vuelta de tuerca y te deja muy intranquilo.

Es como el fenómeno de Déjame salir (Get out), hecha en el momento justo y que da donde más duele.

La interpretación de Elisabeth Moss es soberbia. Sufres con ella en cada momento que aparece en pantalla. Grandísima actriz.

Aquí dejo el tráiler de una de las mejores series de los últimos tiempos

Masters of Horror: George A. Romero & Tobe Hooper

Se fue 2017 y durante ese año, se nos fueron también algunos personajes dignos de mención y de admiración. Es una nota, tristemente demasiado habitual en este blog, pero también nos sirve para recordar (más si cabe) la obra de grandes personajes cuya obra(s) perdurará para la posteridad.

Hooper, Romero y Wes Craven (de izquierda a derecha), 3 iconos del Terror de los '70 cuya obra ha dejado una influencia indeleble en el género fantástico

Hoy, una vez mas, hablaremos de Horror o de Terror, uno de mis géneros preferidos.

En esta ocasión, toca recordar a 2 de los grandes maestros del Terror: George A. Romero y Tobe Hooper. Ambos, fueron responsables de modernizar un género tan arquetípico como el terrorífico, sentando las bases de lo que es a día de hoy.

Romero, en 1968, creó en su debut cinematográfico, La noche de los muertos vivientes (Night of the living dead), al zombie moderno. Ese zombie, que sigue llenando las pantallas, grandes o pequeñas, las tiras de cómic, y los libros de la actualidad. Una fiebre que no termina de cesar desde hace ya demasiados años.

Es indudable que la carrera posterior de Romero, a su pesar, estaría marcada por el enorme éxito de dicho film. Y tuvo que acercarse a los zombies en más de una y de dos ocasiones. Y, casi siempre, con una visión muy inteligente (algo que no se puede decir de la gran mayoría de historias protagonizadas por otros de estos muertos vivientes).

La propia action figure de Romero es una prueba de la influencia de este hombre en la cultura popular

Pero, el carácter rebelde e iconoclasta de Romero se rebeló en otras cintas. Sin embargo, el menor éxito de sus otras propuestas le fue relegando en los años '80 a trabajos menores.

Con Hooper, asistimos, a la creación de un Terror sucio, realista y cercano, demasiado cercano, con su soberbia La matanza de Texas (The Texas chainshaw massacre). Se trata de un viaje a la América más profunda de la mano de unos personajes inspirados en el caso real de Ed Gein, uno de los serial killers más (por desgracia) célebres de todos los tiempos. Ese enfoque de "puede pasar aquí" sirvió para desencadenar una ola de películas basadas en estos asesinos múltiples, algunas con mayor o mejor fortuna. Pero, de lo que no cabe ninguna duda, es que estableció para siempre al asesino como uno de los elementos más importantes del cine de Terror.

Leatherface, el personaje más icónico de esa desquiciada familia que protagoniza La matanza de Texas. Varias veces interpretado por el ya falleido Gunnar Hansen, que hizo de su personaje uno de los símbolos más representativos del género del Terror

Aquí seguimos, bastantes años después, hablando de zombies y de asesinos en serie, por la gran influencia de la obra de estos grandes directores. desgraciadamente (y por su enorme éxito) encasillados. Es bastante recomendable echar un vistazo a la obra de estos maestros del Terror y maravillarse con joyas como Creepshow o Martin (en el caso de Romero; además de la primitiva trilogía zombie) o de The funhouse, Salem's Lot o Lifeforce (en la obra de Hooper).

Un recuerdo para una obra que debe ser reivindicada más que nunca. Y lo digo por su carácter de retrato de una época y con visos al futuro. ¿Qué son esos zombies de Romero sino consumidores sin cerebro, tal y como lo somos la mayoría de los habitantes del planeta en la actualidad? (este era el significado de la obra de Romero y si alguien lo duda, hay está la magnífica y más explícita en este aspecto Amanecer de los muertos, ambientada en un centro comercial).

Y los asesinos en serie, reflejo de unos cambios sociales en los que los seres humanos vivimos más aislados que nunca a pesar de tener infinidad de redes sociales y herramientas de información y comunicación. Una nueva era, con unas maneras diferentes de relacionarse.

The Crow por James O'Barr

A veces de los hechos más terribles surgen obras que son hermosas. De entre las cenizas de la tragedia es posible que florezca la belleza en formas diferentes.

Es este el caso del famoso cómic The crow, que germinó de la tragedia personal de su autor James O'Barr. Debido a la pérdida de su novia en un accidente de tráfico (atropellada por un conductor borracho que se dio a la fuga en 1978), O'Barr se sumergió en las oscuras agua de la culpa, llegando casi a morir él personalmente en un viaje sin retorno.

De esos años oscuros surgió una oportunidad de redención, aunque fuera, al menos a nivel de ficción, a través de The crow. una historia, narrada y dibujada por el autor de un modo completamente underground. Una historia de venganza de ultratumba en la que el autor daba rienda suelta a su rabia y a su dolor, a la par que podíamos entrever un profundo sentido del romanticismo (hay evidentes ecos del genial pintor Caspar David Friedrich en algunas viñetas).

Amor y muerte, Eros y Thánatos, unidos en este viaje donde el autor, completamente libre de ataduras da rienda suelta a sus influencias góticas, expresionistas, caricaturescas en ocasiones, con pinceladas de un estilo punk que se refleja en los personajes que pululan por ese Detroit oscuro y peligroso. Una de las influencias más claras que se aprecian en el personaje principal de Eric Draven es la de Iggy Pop (sólo hay que echar un vistazo ese torso contorsionado para ver ahí a La Iguana, que aparecería en la secuela -prescindible- de la película).

Como decíamos anteriormente, nos encontramos ante una obra independiente, que fue rechazada por numerosas editoriales y que cuando se publicó en 1989 (aunque el autor llevaba trabajando en ella desde 1981) se convirtió en el cómic underground más exitoso hasta el momento.

Esto abrió el camino para muchos autores que vinieron después. Dotó de más libertad a un medio que necesitaba aire fresco para renovar el trabajo de las 2 grandes editoriales del cómic, basado en la explotación continua de sus personajes.

Ahora que se acerca Halloween, es una gran época para recuperar este cómic (la versión especial con material añadido es una joya publicada por Glénat en 2011) y/o su primera adaptación cinematográfica (de la que ya hablamos en una entrada anterior). Una obra atemporal.

El autor ha reutilizado el personaje de The Crow en varias ocasiones más. Y no todas han sido afortunadas. Aquí me gustaría mencionar las series cortas de The Crow: Curare y The Crow: la piel del lobo. Guión de O'Barr para unas obras con dibujantes distintos pero con un trasfondo común: la culpa y la redención.

Lo dicho, una lectura o un visionado (o ambos, ¿por qué no?) muy apropiada para las fechas que se avecinan.

Censurado: Las portadas de Sticky fingers

Icónico logotipo de la banda más grande de todos los tiempos. Inspirado en la boca de Mick Jagger.

Hoy una breve entrada sobre un sonado caso de la censura franquista.

Simplemente impresionante el diseño y la ejecución de este clásico del Rock.

El año de 1971 vio la publicación de Sticky fingers de los Rolling Stones. El primero de los discos en el que colaboró (en su totalidad) el genial guitarrista Mick Taylor, iniciando así el grupo una de sus épocas doradas.

La carpeta interior continuaba con el diseño global del vinilo. Coherencia y provocación con estilo. Parece ser que, a pesar de los rumores difundidos por el mismo Jagger, Warhol utilizó a varios modelos para esta icónica portada paquetera que crearía escuela.

Bien, pues en España, la portada original que diseñó el artista pop Andy Warhol fue considerada ofensiva por la Iglesia católica, encargada de velar por la moral de todos los españoles. Esa entrepierna enfocada en primer plano, que además incluía una cremallera de verdad (que se podía subir y bajar al antojo), toda una genialidad por parte del artista, no pudo verse en España hasta muchos años más tarde.

Fotografía interior con los miembros de los Rolling: Charlie Watts, Mick Taylor, Bill Wyman, Keith Richards y Mick Jagger. Genio y figura.

Sin embargo, a pesar de que la censura se encargó de sustituir esa portada también otros países como Taiwan, el caso español es mucho más conocido por la relevancia que tuvo la portada que se encargo para sustituir la original. En este caso, se optó por un diseño de John Pasche (quien también retocó la famosa idea original de la boca y los labios -de Ernie Cefalu, que cobró 200 dólares por ello- que se convertiría en el logotipo oficial de la banda; que aparece por vez primera en este pedazo de disco) y una fotografía original de Phil Jude.

Imagen explicativa de este icónico diseño, que hoy podemos "disfrutar" en todo tipo de objetos y memorabilia que podamos imaginar. Las camisetas en las grandes cadenas de moda serían uno más de éstos.

Cuando se editó oficialmente en la Rusia, en 1992, se cambió la portada original por esta otra. Una modelo femenina (no vaya a ser que nos equivoquemos de bando) con un cinturón con una hebilla con el símbolo comunista, la hoz y el martillo. Sin comentarios.

El disco editado en España, hoy una cotizada pieza de coleccionista, mostraba una lata de melaza de la que emergían unos dedos femeninos. Algo, desde luego, mucho más escabroso, que podría enlazar fácilmente con el naciente género cinematográfico del slasher.

Muy truculenta. Se eligió esta marca de melaza en concreto porque era la más espesa del mercado. La modelo, obviamente oculta bajo la lata, trabajó muy incómoda para lograr este resultado impresionante. A mí, particularmente, esta portada me parece mucho más provocadora y turbadora.

Para acabar, señalar la enorme influencia que esta tremenda obra de arte transformada en portada de disco ha tenido. Pues, no han sido pocos, los homenajes que ha recibido dentro del mundo discográfico. Yo aquí solamente voy a ilustrar con el álbum de debut de mis adorados Mötley Crüe, por otra parte, toda una declaración de las intenciones de la banda precursora del sleazy Rock.

El paquete de Vince Neil (frontman de Mötley Crüe y genuino cock rocker de la vieja escuela) ocupó el primer plano. Toda una declaración de intenciones.